Olafur Eliasson es conocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala realizadas con materiales como la luz, el agua y el aire. En ese sentido, su trabajo, que a menudo explora la percepción sensorial, ha sido exhibido en todo el mundo con numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Wolf de las Artes en 2013. En Paisajismo Digital repasamos la obra del artista danés-islandés. ¡Comencemos!
Breve biografía de Olafur Eliasson
Eliasson nació en Copenhague en 1967. Estudió arquitectura en la Real Academia Danesa de Bellas Artes, donde estudiaría desde 1989 hasta 1995, pero pronto se interesó por el arte contemporáneo. En 1993 se mudó a Berlín, donde estableció su estudio. Un año más tarde, en 1996, el artista comenzó a trabajar con Einar Thorsteinn, un arquitecto islandés experto en geometría y amigo del diseñador estadounidense Buckminster Fuller.
Fue así como los primeros proyectos de Eliasson tomaron como base la corriente del arte abstracto. Su primer trabajo juntos fue ‘8900054’, una cúpula de acero inoxidable de 9.14 metros de ancho y 2.13 metros de altura que parecía crecer desde el suelo. Una ilusión bien lograda, pues la pieza parece tener su estructura bajo la superficie que a nivel del suelo.
Más tarde, el artista pasó al land art para explorar la relación entre el hombre y la naturaleza. Por ejemplo, su obra The Weather Project (2003), que se exhibió en la Turbine Hall de la Tate Modern de Londres, creó una gran bola de luz artificial que parecía un sol dentro de la sala. Repasemos las principales características del land art de Olafur Eliasson.
Así es el estilo paisajista de Olafur Eliasson
A lo largo de los años, el trabajo de Eliasson ha sido elogiado por su innovación y su capacidad para crear experiencias sensoriales únicas. No en vano, sus obras han sido descritas como “hipnóticas”, “ilusionistas” y “subyugantes” por la comunidad crítica del arte basado en la naturaleza.
En la década de 2000, Olafur comenzó a experimentar con nuevos materiales y técnicas. Fue así como el land art de este artista incorporó la luz, el agua y el aire como elementos centrales. Este es el caso de The New York City Waterfalls (2008), que se exhibió en Nueva York, obra que consistía en una serie de cascadas artificiales que caían desde los edificios.
Por su parte, en Your Blind Spot (El ojo de la tormenta, 2012), el artista construyó una habitación circular llena de densa niebla en Kunsthalle Bremen, Alemania, iluminada por un único foco que creaba un fascinante juego de luces y sombras. Los espejos que recubrían las paredes reflejaban la imagen del espectador, desorientando su percepción del espacio e invitando a la introspección.
En cuanto a The Circular Room (2016), ubicado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, se construyó una habitación circular llena de una fina capa de gas no tóxico que oscurecía las paredes y el techo, creando una sensación de desorientación e inmersión. Las fuentes de luz colocadas a intervalos regulares a lo largo del perímetro proyectan un brillo suave, contribuyendo crear una atmósfera etérea.
Principales obras del land art de Olafur Eliasson
Estas obras muestran el dominio de la luz, el espacio y la percepción del land art de Olafur Eliasson. A su vez, invitan a los espectadores a interactuar con su entorno de maneras nuevas e inesperadas. Del mismo modo, sus instalaciones a menudo crean una sensación de asombro, fomentando la contemplación de la relación entre los humanos y el medio ambiente, así como la naturaleza de la percepción misma.
Este es el caso del proyecto Ventilator (1997). La obra consistió en un conjunto de ventiladores balanceándose en distintas direcciones y girando sobre su propio eje. Más tarde completaría el proyecto con Quadrible light ventilator mobile (2002-2007). Allí, un reflector y cuatro ventiladores soplaban aire alrededor de la sala de exposiciones para crear un cono de luz.
Otro de sus proyectos más exitosos es Green River (1998). Eliasson descubrió que la uranina (fluoresceína), un polvo no tóxico utilizado para rastrear las fugas en los sistemas de plomería, podría teñir ríos enteros de verde fluorescente.
El artista hizo una prueba en el río Spree, en la Bienal de Berlín de 1998, esparciendo un puñado de polvo desde un puente cerca de Isla de los Museos. Luego comenzó a introducir el tinte ecológico y seguro a los ríos en Moss, Noruega (1998), Bremen (1998), Los Ángeles (1999), Estocolmo (2000) y Tokio (2001), siempre sin previo aviso, creando ríos verdes efímeros.
El legado del land art de Olafur Eliasson
Actualmente, el Estudio Olafur Eliasson funciona como un laboratorio de investigación sobre el espacio que emplea a un equipo de 30 arquitectos, ingenieros, artesanos y ayudantes con el objetivo de conceptualizar, probar y construir instalaciones, esculturas y proyectos a gran escala por encargo.
Asimismo, en otros proyectos, Olafur ha trabajado en colaboración con especialistas en diversos campos. Entre ellos destacan los arquitectos Thorsteinn y Sebastian Behmann (colaboradores frecuentes), el autor Svend Åge Madsen (The Blind Pavilion) y el arquitecto paisajista Gunther Vogt (The Mediated Motion).
Gracias a estas alianzas, el land art de Olafur Eliasson ha experimentado con trabajos monumentales y esculturas que no solo utilizan al entorno natural o urbano como lienzo. Su trabajo va más allá, interpretando las diversas manifestaciones del clima y otros elementos del paisaje para ofrecer al espectador una conexión y experiencia totalmente diferente.
Este fue el caso de Room For One Colour (1998), un pasillo iluminado por tubos de mono-frecuencia amarilla donde los participantes se encontraban en una habitación llena de luz que afectaba la percepción de todos los demás colores. Aquí, el objetivo objetivo fue experimentar con la densidad atmosférica en espacios expositivos. Bien sea en entornos cerrados o al aire libre, el artista danés-islandés siempre encuentra la forma de sorprendernos.
Conclusiones de un paisajista
Como hemos visto, el land art de Olafur Eliasson se las ingenia para jugar con los elementos disponibles en el entorno. Utilizando tecnología y estética visual contemporáneas, el artista puede transformar espacios y producir sensaciones únicas. A su vez, la naturaleza también le permite crear áreas espectaculares. Así, las cascadas de The New York City Waterfalls (2008) deleitaron a miles de espectadores en el puerto de Nueva York.
Este último proyecto, de hecho, superó el récord de la instalación de Christo y Jeanne-Claude en las puertas de Central Park como el proyecto de arte público más caro creado en USA, con 15 millones de dólares de presupuesto.